Hector Infanzon Trio Live at El Lunario El Vago

Héctor Infanzón (Ciudad de México, México; 25 de abril de 1958). Es un pianista, compositor, arreglista y productor mexicano.

Comenzó sus estudios formales de piano en 1976 en la Escuela Superior de Música y, posteriormente, en la Escuela Nacional de Música. Durante su formación ofreció recitales regularmente en las salas más conocidas de la Ciudad de México, donde también fue solista invitado con la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. Paralelamente a su formación clásica, estuvo siempre interesado en la música popular, colaborando con distintas agrupaciones de música afro-caribeña, folclórica y rock, así como con diferentes artistas de música pop, todas éstas influencias que aún ahora permanecen en sus composiciones.

Hector Infanzon Trio Live at El Lunario Azucar Part I

En 1985 Héctor Infanzón estudió en Berklee College of Music, experiencia que determinó su acercamiento al jazz. Desde entonces, Héctor se ha dedicado por completo a este género. En 1989 forma el trío llamado Antropóleo, que se convertiría en uno de los grupos más importantes de la escena musical de México. Pero es hasta el año 1991 que forma el cuarteto que lleva su nombre con quienes, desde entonces, se ha presentado en los principales festivales del país y del extranjero, teniendo maravillosos comentarios de parte de la crítica.

Paralelamente a su actividad como ejecutante y compositor, es un solicitado arreglista.

En 1993 grabó De manera personal (In a personal mood), su primer disco compacto como solista y, debido a su impresionante trayectoria, fue invitado a participar en el Festival Internacional de Jazz, realizado en La Habana, Cuba, representando a México. De la misma forma, ha participado en otras celebraciones similares efectuadas en Nueva Orleans y Nueva Jersey, en los Estados Unidos, país donde fue aclamado por la crítica especializada En octubre del mismo año, el reconocido pianista de Puerto Rico, Papo Lucca le comisiona que arregle para su orquesta un medley para la celebración de los 40 años de La Sonora Ponceña llevado a cabo en el Madison Square Garden, New York.

Durante 1997 la reconocida cantante peruana Tania Libertad le comisiona dos arreglos para su CD "Himno al Amor" con la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México (OFCM). Y en el mismo año, el titular de la OFCM le solicita los arreglos para la orquesta con motivo del aniversario del Auditorio Nacional.

Héctor Infanzón fue comisionado en dos ocasiones por el titular de la Orquesta Filarmónica de Acapulco para escribir arreglos de música tradicional de Guerrero para sus CDs vol. I y II. Al igual que lo fue por el titular de la Orquesta Filarmónica de Querétaro para escribir siete arreglos para aquella otra orquesta.

Desde 1996, colabora con la reconocida productora de cine Gabriella Martinelli, ("Romeo and Juliet", "Naked Lunch", "Madame Butterfly", etc.) para la producción del CD titulado "Taboo Blues" con composiciones originales de ambos, editado en Canadá en 1998.

En el año 2000, grabó su segundo CD titulado "Nos Toca", en el que interpreta temas originales, combinando el lenguaje jazzístico con elementos de música afro-caribeña.

Además de sus actividades como ejecutante, compositor y arreglista, Héctor Infanzón ha sido pianista y director musical de muchos de los reconocidos artistas pop en México tales como: Emmanuel, Armando Manzanero, Mijares, Eugenia León, Tania Libertad, Betsi Pecanins, Guadalupe Pineda, Maldita Vecindad, por nombrar solo algunos. Con estos artistas ha participado en los festivales más importantes de música pop en países como: Canadá, Estados Unidos, Francia, Alemania, Holanda, España, Portugal, Argentina, Uruguay, Chile, Perú, Venezuela, Colombia, Guatemala, Cuba, República Dominicana y Puerto Rico.

Por su versatilidad Héctor fue llamado para integrarse al grupo del reconocido artista Ricky Martin para la gira mundial 1999-2000 recorriendo la mayoría de las ciudades de Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia.

A lo largo de su carrera Héctor ha tenido la oportunidad de tocar también con artistas como: Winton Marsalis, Carlos Santana, José Feliciano, Papo Lucca, Johnny Pacheco, Jeff Berlin, Dave Valentin, entre otros.

Como compositor ha escrito música para quinteto de cuerdas, la obertura para el espectáculo "Storm" en Las Vegas, así como música para cine, teatro y varios videos.

A finales del 2007, es lanzado un nuevo material discográfico, titulado "Citadino".

Arturo Sandoval i Dizzy Gillespie - JAZZ

Arturo Sandoval (Artemisa, Provincia de La Habana, 6 de noviembre de 1949) Es un afamado trompetista de jazz así como pianista. Sandoval comenzó a estudiar música a la edad de 13 años. Tras probar suerte con varios instrumentos musicales, finalmente se decidió por la trompeta.

Después de su servicio militar fundó el grupo Irakere con el saxofonista Paquito D'Rivera y el pianista Chucho Valdés, y se convirtió en el conjunto de Jazz más importante de Cuba. Tuvieron un gran éxito mundial y su presentación en 1978 en el Festival de Jazz de Newport en Nueva York los introdujo al público americano. Tras este éxito, vivió exiliado en Miami, donde se convirtió en profesor de la Universidad Internacional de Florida y pronto grabó su primer disco en USA con el título: "Flight to Freedom" para el sello GRP.

El gran talento musical de Sandoval ha sido asociado con muchos músicos, pero sin duda el más importante sería Dizzy Gillespie a quien Sandoval considera su padre espiritual. Gillespie es considerado como uno de los grandes difusores de la música afro-cubana, y fue determinante en la posterior carrera de Sandoval. Los dos músicos se conocieron en Cuba en 1977 cuando Gillespie hacía actuaciones improvisadas por el Caribe con el saxofonista Stan Getz. Debido a la situación política, Cuba había estado aislada de los músicos americanos durante varios años. Gillespie quería saber qué clase de música se hacía allí, entre otras su guaguancó. Sandoval se ofreció de particular cicerone musical, y posteriormente le confesaría que él mismo también era músico

Eliane Elias: Samba triste

Eliane Elias (São Paulo, 19 de marzo de 1960) es una pianista brasileña de música clásica y popular, que se aproxima constantemente al jazz y a la fusión de este con las llamadas músicas del mundo, entre ellas la bossa nova de su país de nacimiento. Vive en Nueva York.

Eliane Elias- baubles bangles and beads

Heredó su talento musical de su madre, Lucy, pianista clásica que también se interesaba por el jazz. Tras estudiar seis años en el Free Center of Music Apprenticeship en Sao Paulo, siguió estudiando técnica clásica con Amilton Godoy y Amaral Vieria. Ya de adolescente, Elias compuso sus primeros temas y empezó a actuar en clubs de jazz. Realizando una gira por Europa en 1981, conoció al bajista de jazz Eddie Gomez que la animó a viajar a Nueva York, donde estudió con Olegna Fuschi en la Juilliard School of Music.

La carrera profesional de Elias consiguió un avance importante cuando fue invitada a unirse al grupo Steps Ahead, formado por Michael Brecker, Peter Erskine, Mike Manieri y Eddie Gomez. Grabó un disco el grupo, Steps Ahead, en 1983. Tras abandonar el conjunto, empezó a colaborar con el trompeta Randy Brecker con quien se casaría más tarde y grabaría un disco a dúo con él.

Su siguiente paso profesional fue el de convertirse ella misma en líder de sus grupos con los que ha realizado varias giras (contando con músicos como Jack DeJohnette y Gomez, en su primer trío, y Erskine y Marc Johnson en el segundo). Su tercer trío contó con Marc Johnson al bajo y Satoshi Takeshi a la batería.

Su disco de 1995 Solos and Duets lo realizó con Herbie Hancock. Aunque muchas de sus grabaciones han sido solo instrumentales, Elias ha incorporado también su voz en discos como Eliane Elias Plays Jobim de 1989. Trabaja también periódicamente con el Toots Thielman's Brasil Project y como directora musical del grupo de Gilberto Gil.

Paco de Lucia - Entre dos Aguas

Paco de Lucía, cuyo nombre real es Francisco Sánchez Gómez (Algeciras (Cádiz), 21 de diciembre de 1947), es un guitarrista flamenco andaluz. Aunque la práctica totalidad de su obra se desarrolla en el flamenco, ha grabado algunos trabajos en otros estilos, como la fusión de flamenco con el jazz y otras músicas internacionales. Está considerado uno de los mejores maestros de la guitarra de todos los tiempos, habiendo recibido, entre otros muchos galardones, el premio nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002) y el premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004

Paco De Lucia, John Mclaughlin y Al Di Meola - Mediterranean

Tanto su madre, Lucía Gómez "La Portuguesa" como su padre, Antonio Sánchez, influyeron mucho en la vocación de su hijo. De su padre y de su hermano Ramón, recibió las primeras clases de guitarra. Su padre hacía que Paco practicase muchas horas de guitarra diarias durante su niñez. El nombre "De Lucía" quedó ligado a él durante su niñez, ya que como él mismo cuenta, en su barrio había muchos Pepes, Pacos, etc., y entonces se los identificaba por el nombre de su madre, por lo que él era conocido como "Paco, el de Lucía" en su barrio de Algeciras.

Es hermano de artistas flamencos, Pepe de Lucía cantaor profesional ya de niño y de Ramón de Algeciras, guitarrista también profesional. Ambos han sido miembros de su banda durante muchos años, acompañándole en grabaciones y giras, teniendo ellos sus propias carreras en solitario o con otros artistas.


Paco de Lucía y Camarón de la IslaA finales de los años 60 conoce a Camarón de la Isla con quien crea una mítica unión musical, fruto de la cual son los primeros discos de ambos. Se muestran como excelentes intérpretes del flamenco más ortodoxo. Grabaron 10 discos entre 1968 y 1977. Después, juntos y por separado fueron precursores de un flamenco más popular y mestizo entrando en el terreno del pop, el rock y el jazz.

Sheila Escovedo

Sheila Escovedo, conocida también como Sheila E., nace en San Francisco (California, EE UU)el 12 de diciembre de 1952. Fue batería y percusionista de la banda de Prince. También triunfó en solitario con canciones como 'The glamorous life' o 'A love bizzarre.

Pete Escovedo

Pete Escovedo ha sido una fuerza importante en la música Latina desde finales de los años sesenta, y su versatilidad ha resultado un éxito en varias areas de la música, fesde el jazz latino y la salsa hasta el rock y el pop latino. Creció en Oakland, rodeado de música. Su padre cantaba con algunas big bands latinas. Pete tocaba el saxo en la escuela secundaria y pronto cambió a los vibráfonos.

Cuando el pianista Ed Nelly necesitó un percusionista, Escovedo respondió a su llamado. Él y uno de sus hermanos menores, Coke Escovedo, se desarrollaron rápidamente como percusionistas y recibían muchas pedidos de actuaciones en Carolina del Norte. Con el menor de los hermanos, Phil Escovedo, tocando el bajo, se formó el sexteto de jazz latino, Escovedo Bros.

El grupo se separó en 1967, cuando Carlos Santana contrató a Pate y a Coke para su grupo de rock latino. Después de hacer giras con Santana durante los siguientes tres años (se han reunido con él algunas veces después), Pete y Coke crearon la big band latina de 14 instrumentos "Azteca", con la cual grabaron dos álbumes para Columbia. Cuando la banda aumentó a 24 miembros, se hizo muy caro manterlos juntos aunque la música era bastante impresionante.

Desde ese momento, Pete ha tocado un sinnúmero de veces inclusive con celebridades como Herbie Hancock, Woody Herman, Cal Tjader, Tito Puente entre muchos otros. Comenzó a apelar a su hija, Sheila E., a mediados de los setenta cuando todavía era una adolescente; primero grabaron juntos en 1976 con Billy Cobham y han trabajados juntos muchas veces desde entonces. Desde Azteca, Escovedo ha dirigido frecuentemente también su propia banda de jazz latino, a veces incluyendo también a sus hijos, Juan, Peter Michael y Zina. Pete Escovedo ha grabado como líder para Fantasy (codirigiendo con Sheila E.) y Concord.

Gonzalo Rubalcaba (I)

Gonzalo Rubalcaba (La Habana, 1963), es uno de los grande músicos cubanos de jazz. Pianista versátil, instrumentista hábil y elegante, Rubalcaba es una de las grandes figuras contemporáneas emergentes representativas del jazz afro cubano.

Estudió música en el conservatorio de su ciudad natal desde 1971 a 1983 y ya en los años ochenta salió de gira por Europa y algunos países africanos dentro de la Orquesta Aragón, una de las mas importantes del país. Su carrera profesional dio un giro de ciento ochenta grados cuando el contrabajista, Charlie Haden, que ya lo había escuchado con anterioridad en Cuba, lo llamó para que se incorporara a su grupo. Con Haden, Gonzalo Rubalcaba, debutó en el Festival de jazz de Cuba en 1986 y posteriormente en el Festival de Jazz de Montreux en 1990. Grabada en disco aquel debut, "Discovery" supuso el espaldarazo definitivo para Rubalcaba. Su perfecto conocimiento del trío de jazz quedo de manifiesto y critica y publico vieron en el a uno de los grandes pianistas del jazz contemporáneo.

En 1987 graba su primer disco a su nombre para el sello "Messidor" titulado "Mi gran pasión" un autentico éxito de critica y publico. El disco le abre las puertas del sello "Blue Note" con quien firma un contrato que le permite grabar su primer disco en 1990 en directo desde el Festival de Montreux, donde volvió en trío junto a Paul Motian a la batería y Charlie Haden al contrabajo. Con una sólida educación musical y un gran talento, Gonzalo Rubalcaba, produce en 1999, su disco "Inner Voyage" (Blue Note), posiblemente el disco de Jazz más importante de su amplia discografía. En su repertorio encontramos estándares clásicos del jazz, como "Caravan", donde demuestra el dominio de la estética formalista y las acariciadas influencias de la música de su origen, la cubana, creando una versión llena de Jazz tradicional y el sentimiento de música Afroantillana aprovechada al máximo por sus conocimientos de la materia e instrucción académica.

El éxito de ese disco, hizo posible que Rubalcaba fuera elegido ese mismo año por la prestigiosa revista "Piano & Keyboard" entre los sesenta pianistas mas importantes del Siglo XX, compartiendo ese honor con Duke Ellington, entre otros. Actualmente Gonzalo Rubalcaba, reside en Florida y su actividad musical es además de intensa, extraordinariamente buena. Recientemente ha sacado junto a su amigo, Charlie Haden, un disco de boleros titulado "Nocturne" que al margen de purismos formales, sobre si la música es jazz o no, es una delicia escuchar

Chano Domínguez

Chano Domínguez nace en Cádiz el 29 de Marzo de 1960. Su primer contacto con la música lo recibe a través de su padre, gran aficionado al flamenco. A los ocho años, sus padres le regalan su primer instrumento, una guitarra flamenca. De este modo pudo practicar, de forma autodidacta, todo aquello que había escuchado en los discos de música flamenca de su padre, para luego tocar con los amigos del barrio. Con dieciocho años forma su primer grupo, Cai, con el que graba tres discos para la compañía discográfica CBS. La década de los 80 nos trae el salto al panorama jazzístico internacional con el mítico grupo Hiscadix, ganador de la I Muestra Nacional para Jóvenes Interpretes, celebrada en Palma de Mallorca en 1986. En 1987 participa en el Festival Internacional de la UER. en Suecia; en 1988 realiza una gira por Alemania y al año siguiente por Bélgica; en 1990 llega a la final del concurso Internacional de Piano Martial Solal, celebrado en París. Su personalísimo discurso musical es elogiado por músicos como Richie Beirach, Bill Dobbins, Joe Herderson y Kenny Werner, con quienes estudia en diversos seminarios. En 1992, forma su propio Trío. En su mente está la idea de fusionar los ritmos del flamenco (alegrías, soleas y bulerías), con las formas musicales del Jazz. Edita su primer trabajo en solitario, "Chano". En este trabajo se encuentra arropado por su trío, compuesto por Javier Colina y Guillermo McGill. En 1994, realiza junto a Jorge Pardo el CD "10 de Paco", basado en composiciones del músico andaluz Paco de Lucía. En 1995, graba con Martirio "Coplas de Madrugá". En 1996, un nuevo disco en solitario, "Hecho a Mano", que supuso un avance firme y maduro dentro de su discurso Jazzístico-Flamenco. En 1997, es solicitado por la SGAE para representar la música con raíces latinas en el Midem celebrado en Miami, donde ofreció un concierto en dúo de piano junto al pianista latinoamericano Michel Camilo. En Diciembre del 97 aparece su disco doble "En directo-Piano Solo". A principios del 98 es solicitado por Ana Belén para la producción, arreglos y composición del CD "Lorquiana" en el que Domínguez y la cantante hacen una revisión de los temas populares que recopiló Federico García Lorca. Es invitado por la SGAE y Fundación Autor para al Festival Internacional Jazz Plaza'98 celebrado en la Habana. La revista "Cuaderno de Jazz" le otorga el premio de Mejor CD de Jazz del 98 por "En directo-Piano Solo". También es ganador de la III Edición de los Premios de la Música como Mejor Álbum de Jazz. Chano produce y dirige la grabación del CD "Tú no Sospechas" junto a Marta Valdés, con canciones de esta gran compositora cubana. Su siguiente trabajo es "Imán", con distintas colaboraciones: Enrique Morente, Luis de la Pica, Blas Córdoba, incluyendo su habitual trío. Nominado a la IV Edición de los Premios de la Música. Participa en el proyecto cinematográfico de Fernando Trueba, "Calle 54", junto a músicos como: Tito Puente, Gato Barbieri, Chucho Valdés, Paquito D´Ribera, Jerry González, Michel Camilo, Eliane Elías. Es invitado al Festival Internacional de Miami. Actuación en la entrega de los Premios Goya 2000. "Imán" es ganador de IV Edición de los Premios de la Música como Mejor Disco de Jazz. Más tarde viajará al festival de La Habana en Cuba donde actuó junto con Herbie Hanckock. En 2002 graba su nuevo disco, "Oye cómo viene", para Lola Records (2002), nominado a los Premios Grammy en la categoría de Jazz Latino. El cual se graba en DVD por el equipo de Fernando Trueba y editado con el título de "Mira cómo viene". Durante todo el 2002 se realizan diferentes giras, tanto por Europa, como por América con gran parte de los artistas de la película "Calle 54"; el sexteto de Chano se presenta en todas, obteniendo un éxito rotundo en escenarios como el Festival de Montreaux, Estambul o en ciudades como Washington, Los Ángeles o Philadelphia en EEUU, compartiendo escenario con Paquito De Rivera, Jerry González o Eliane Elías entre otros. Al año siguiente es requerido con su sexteto a visitar los EEUU, dado el éxito alcanzado en las giras anteriores. Así es invitado por Wynton Marsalis para actuar en el Lincoln Center de NYC. Triunfa también en festivales tan prestigiosos como los de Chicago y San Francisco, donde la crítica se volcó en elogios. Durante 2004 aparecen dos nuevos trabajos discográficos. El primero se titula "Con Alma" (Venus Records) y fue grabado en NYC en formato de trío con George Mraz y Jeff Ballard; el segundo, un nuevo dúo con Martirio titulado "Acoplados" (RTVE Música).

Oscar Peterson

Efectivamente. No es jazz latino, pero merece la pena escucharle. Oscar Peterson es uno de los mejores pianistas de jazz de todos los tiempos. Un pianista con una técnica fenomenal en el nivel de su ídolo Art Tatum.

La velocidad de Peterson, la destreza y habilidad para los swings en cualquier tempomusical ha sido asombrosa. Muy efectivo en grupos pequeños, y acompañando a cantantes. Oscar es perfecto cuando acompaña a solistas instrumentistas. Su estilo original no trata sobre un idioma musical específico. Como Erroll Garner y George Shearing, las características del músico al tocar se formaron durante la mitad de los cuarenta y son un tipo especial dentro del género del swing y del bop.

Peterson ha sido criticado a lo largo del tiempo porque usaba muchas notas, que su música no evolucionó desde 1950 y por grabar un gran numero de álbumes. Quizás es porque las críticas no lo favorecen en su carrera es que probablemente se puede decir que este pianista tocaba cien notas cuando otros pianistas a lo mejor usan solo diez; pero esas cien usualmente son adecuadas, y no hay nada de malo en mostrar la técnica personal cuando se toca la música.

Como con Johnny Hodges y Thelonious Monk, para nombrar dos, Oscar pasó su carrera creciendo con su estilo con bastantes cambios importantes ya que una vez que su grupo estaba fijado, probablemente encontraba una manera aceptable de manejar su carrera. Porque Norman Granz era su pianista favorito, junto con Tatum, fue un motivo que lo llevo a grabar algunas de sus grandes obras de arte. No todos eran esenciales, y muy pocos eran de rutina, pero la gran mayoría eran excelentes y hay docenas de clásicos.

Oscar comenzó con las lecciones clásicas de piano cuando tenía seis años de edad y se perfecciono rápidamente. Después de ganar un show de talentos a los catorce, Oscar comenzó a brillar en un programa de radio semanal en Montreal. Peterson adquirió muy pronto la experiencia de un pianista adolescente con la orquesta de Johnny Colmes.

Desde 1945 hasta 1949, Oscar grabó 32 selecciones para Victo en Montreal. Aquellas actuaciones del trío encontraron en este músico a una persona con afecto al Boggie-Woogie, que pronto descartaría y haría evolucionar, y el estilo del swing de Teddy Wilson Y Nat King Cole.

Su técnica fue brillante incluso en ese primer período y aunque la influencia del bop todavía no lo había sorprendido, ya era un impresionante pianista. Durante algún corto tiempo estuvo vinculado con el cantante de jazz Louis Armstrong el cual grabó en esos tiempos algunas de sus canciones mas exitosas.

Michel Camilo

En 1991, Camilo regresó por tercer año consecutivo al Carnegie Hall, por segunda vez al Newport Jazz Festival, y por tercera vez estuvo de gira en Japón. Su trabajo Caribe fue grabado por las conocidas pianistas Katia y Marielle Labeque y por el legendario Dizzy Gillespie. Fue presentado como solista, arreglista y compositor con la prestigiosa Danish Radio Big Band y ése año hizo una gira especial a tres pianos en Francia con Katia y Marielle Labeque en programas con repertorios clásicos y jazzísticos. También compuso y grabó la partitura para la galardonada película española Amo Tu Cama Rica, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, que estrenó en Madrid y ha sido presentada en festivales de cine europeos y americanos.

Los éxitos de 1992 incluyeron el estreno mundial de Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, un encargo de la Orquesta Filarmónica de Londres, interpretada por Katia y Marialle Labeque en el Royal Festival Hall. Michel Camilo estuvo también invitado a tocar con la Orquesta Sinfónica de Atlanta en un programa clásico y jazzístico, donde interpretó Gershwin Piano Concerto in F, así como su repertorio de jazz en trío. También hizo una extensa gira en El Caribe, Sudamérica, Europa y Japón. Ese mismo año, Michel fue premiado con dos galardones muy especiales: Professor Emeritus de su Alma Mater, Universidad Autónoma de Santo Domingo y "Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus" por el Gobierno.

En 1993, lanzó su álbum Rendezvous (Columbia) e hizo gira en los principales festivales de Estados Unidos, Europa y Japón. Este álbum fue elegido entre los Top Jazz Albums del año por Gavin Report y el Billboard. Le invitaron a tocar en All-Star Gala en la Casa Blanca, ocasión de la celebración del 40 Aniversario del Newport Jazz Festival; este concierto fue emitido por la PBS a escala nacional como parte de "In Performance At The White House". También fue invitado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana, donde interpretó Gershwin's Piano Concerto in F. El Clearwater Jazz Holiday le entregó el "International Jazz Award" y fue invitado como jurado en el prestigioso Great American Jazz Piano Competition en Jacksonville, Florida.

A principios de 1994, UTESA University de Santiago, República Dominicana, le entregó el Honoris Causa por sus logros musicales, siendo la persona más joven del país en recibir esta distinción.

Compuso la música para la película española Los Peores Años de Nuestra Vida, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, y lanzó su álbum One more once (Columbia/Sony). Hizo una gira por Japón, Venezuela, El Caribe y Estados Unidos; tocó en NPR's "A Jazz Piano Christmas", invitado por Tony Bennett; tocó con su banda de 17 componentes y también intervino con un concierto especial a tres pianos de Jazz y Clásica con las pianistas Katia y Marielle Labeque. Además, tocó como solista con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico.

En 1995, Camilo se dedicó a diversos proyectos entre los que están sus habituales actuaciones en importantes festivales de Jazz con su Trio, conciertos en solo, su colaboración en el último CD de Katia Labeque, Girl Blue, o la composición de la banda sonora de Two Much, del director Fernando Trueba y ganadora de un Oscar.

En 1996, Camilo hizo una serie de conciertos de piano solo con motivo de la celebración de Capital Cultural Europea en Copenhague. También hizo su debut de Piano Solo en el Kennedy Center y el Carnegie Hall. Hizo una gira en Japón y Francia, así como en El Caribe, con su Trío. También actuó en Nueva York en el Blue Note, Iridium, Radio City Music Hall y Avery Fisher Hall en el JVC Jazz Festival. Posteriormente, actuó en Israel, España, México, la República Dominicana y Suiza, donde hizo su debut en el prestigioso auditorio Tonhalle de Zurich como parte de "Jazz Piano Masters".

Michel Camilo

En 1991, Camilo regresó por tercer año consecutivo al Carnegie Hall, por segunda vez al Newport Jazz Festival, y por tercera vez estuvo de gira en Japón. Su trabajo Caribe fue grabado por las conocidas pianistas Katia y Marielle Labeque y por el legendario Dizzy Gillespie. Fue presentado como solista, arreglista y compositor con la prestigiosa Danish Radio Big Band y ése año hizo una gira especial a tres pianos en Francia con Katia y Marielle Labeque en programas con repertorios clásicos y jazzísticos. También compuso y grabó la partitura para la galardonada película española Amo Tu Cama Rica, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, que estrenó en Madrid y ha sido presentada en festivales de cine europeos y americanos.

Los éxitos de 1992 incluyeron el estreno mundial de Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, un encargo de la Orquesta Filarmónica de Londres, interpretada por Katia y Marialle Labeque en el Royal Festival Hall. Michel Camilo estuvo también invitado a tocar con la Orquesta Sinfónica de Atlanta en un programa clásico y jazzístico, donde interpretó Gershwin Piano Concerto in F, así como su repertorio de jazz en trío. También hizo una extensa gira en El Caribe, Sudamérica, Europa y Japón. Ese mismo año, Michel fue premiado con dos galardones muy especiales: Professor Emeritus de su Alma Mater, Universidad Autónoma de Santo Domingo y "Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus" por el Gobierno.

En 1993, lanzó su álbum Rendezvous (Columbia) e hizo gira en los principales festivales de Estados Unidos, Europa y Japón. Este álbum fue elegido entre los Top Jazz Albums del año por Gavin Report y el Billboard. Le invitaron a tocar en All-Star Gala en la Casa Blanca, ocasión de la celebración del 40 Aniversario del Newport Jazz Festival; este concierto fue emitido por la PBS a escala nacional como parte de "In Performance At The White House". También fue invitado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana, donde interpretó Gershwin's Piano Concerto in F. El Clearwater Jazz Holiday le entregó el "International Jazz Award" y fue invitado como jurado en el prestigioso Great American Jazz Piano Competition en Jacksonville, Florida.

A principios de 1994, UTESA University de Santiago, República Dominicana, le entregó el Honoris Causa por sus logros musicales, siendo la persona más joven del país en recibir esta distinción.

Compuso la música para la película española Los Peores Años de Nuestra Vida, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, y lanzó su álbum One more once (Columbia/Sony). Hizo una gira por Japón, Venezuela, El Caribe y Estados Unidos; tocó en NPR's "A Jazz Piano Christmas", invitado por Tony Bennett; tocó con su banda de 17 componentes y también intervino con un concierto especial a tres pianos de Jazz y Clásica con las pianistas Katia y Marielle Labeque. Además, tocó como solista con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico.

En 1995, Camilo se dedicó a diversos proyectos entre los que están sus habituales actuaciones en importantes festivales de Jazz con su Trio, conciertos en solo, su colaboración en el último CD de Katia Labeque, Girl Blue, o la composición de la banda sonora de Two Much, del director Fernando Trueba y ganadora de un Oscar.

En 1996, Camilo hizo una serie de conciertos de piano solo con motivo de la celebración de Capital Cultural Europea en Copenhague. También hizo su debut de Piano Solo en el Kennedy Center y el Carnegie Hall. Hizo una gira en Japón y Francia, así como en El Caribe, con su Trío. También actuó en Nueva York en el Blue Note, Iridium, Radio City Music Hall y Avery Fisher Hall en el JVC Jazz Festival. Posteriormente, actuó en Israel, España, México, la República Dominicana y Suiza, donde hizo su debut en el prestigioso auditorio Tonhalle de Zurich como parte de "Jazz Piano Masters".

Michel Camilo (I)

Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana. Fascinado por la música desde su niñez, compuso su primera canción a los 5 años y estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional que culminó con una cátedra; a los 16 años se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional Dominicana. Con la idea de ampliar su horizonte musical, se trasladó a Nueva York en 1979, donde siguió con sus estudios en Mannes and Juilliard School of Music.

Un pianista con una técnica brillante y compositor que le da a sus temas ritmos caribeños y armonías de jazz; su composición Why not! se convirtió en un éxito grabado por Paquito D'Rivera en uno de sus álbumes, que fue ganador de un Grammy (1983) en la versión vocal de los Manhattan Transfer. Sus dos primeros álbumes fueron: WHY NOT! y SUNTAN/MICHEL CAMILO IN TRIO.

Michel Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall en 1985 con su trío y en 1986 en los festivales europeos como líder. Desde entonces, es un destacado artista que actúa periódicamente en Estados Unidos, El Caribe, Japón y Europa.

En diciembre de 1987 se produjo su debut como Director de Orquesta, cuando la National Symphony Orchestra de la República Dominicana le invitó a dirigir un recital clásico de Rimsky Korsakoff, Beethoven, Dvorak y el propio trabajo de Michel Camilo The Goodwill Games Theme, por el que ganó un Emmy. Ese mismo año fue director musical en el Heineken Jazz Festival en su nativa República Dominicana, puesto en el que permaneció hasta 1992.

Noviembre de 1988 marcó su debut con una gran compañía discográfica con el lanzamiento de MICHEL CAMILO (Sony). Inmediatamente el álbum se convirtió en un éxito y estuvo en el primer puesto del Top Jazz Album durante ocho semanas consecutivas. Su segundo lanzamiento, ON FIRE, fue votado entre los Tres Mejores Álbumes de Jazz del Año por el Billboard y su tercera grabación, ON THE OTHER HAND, estuvo entre los diez primeros de la lista Jazz Albums. Las tres grabaciones fueron primeros en las listas de radio a escala nacional.

Irakere (II)

El grupo de jazz afro-cubano, Irakere, se formó en 1973. Muchos de los grandes nombres del jazz cubano han pasado por su formación en algún momento de las últimas décadas, pero es el pianista Chucho Valdes el líder mítico de una de las más memorables bandas musicales de Cuba. Durante su larga trayectoria han editado numerosos álbumes plagados de ritmos pegadizos como “Chekere Son” (1979), “El Coco” (1980) y “Homenaje a Beny More” (1989). Pero fue a mediados de los 90 cuando hicieron su primera gira mundial y dieron a conocer al mundo su mezcla de melodías cubanas y ritmos funky.

Irakere (I)

Con un estilo policromático que va desde lo puramente afro hasta las más modernas sonoridades, Irakere ha fusionado en forma casi perfecta lo Afro-cubano, el jazz y lo puramente clásico, logrando un producto de altísima calidad interpretativa, pero además inspirado y revolucionario. Ya en los '70s, "Chucho" se atreve a fusionar, a inventar, a componer,y a comienzos de los '80s ya se identificaban en su orquesta casi todos los elementos musicales que más tarde habrían de constituir la Timba, formalmente establecida por José Luis Cortés "El Tosco" director de N.G. La Banda y ex flautista de Irakere, unos años después.

La fusión de la raíces profundas del folklor Afrocubano con elementos de la música clásica e internacional se convierten en una filosofía, una forma de tocar y de trabajo bajo la obsesión perfeccionista de Valdés, que sobrevive a todos los vaivenes propios de las orquestas. Irakere nos deleita con florituras en los metales nunca antes escuchadas,malabares acrobáticos en la percusión,ejecuciones perfectas al teclado, en el marco inherente de la sabrosura de la música popular cubana.En su conjunto han producido uno de los repertorios más amplios y variados en la música cubana de los últimos tiempos.

Irakere nos regaló la sabrosura de la Timba, señalo el camino de una técnica impecable al servicio del arte popular, pero nos deja la incertidumbre de que quizás no volveremos a ver una banda tan estupenda y de tantos pergaminos en mucho tiempo.

Lalo Schifrin

Nació el 21 de junio de 1932, en Argentina. Su padre, Luis Schifrin, se desempeñaba como primer violín de la Orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires y educó a Lalo en el ambiente clásico desde muy pequeño. Lalo viajó a París a estudiar música clásica y jazz en el conservatorio Parisino donde durante la semana estudiaría música clásica y los fines de semana se presentaba en pequeños clubes de jazz con los mejores exponentes de jazz de Europa.

Cuando regresó a Buenos Aires, a mediados de los años 1950, formó su propia banda y, en una visita del el legendario trompetista Dizzy Gillespie, de paso por Buenos Aires, tiene la opotunidad de verlo en vivo, le ofrece que viaje con el a Nueva York como su pianista y director.

A partir de eso momento, Lalo Schifrin comenzó a expandir sus propios horizontes y llegando a escribir más de 100 melodías para películas de cine y para series de la televisión. Fue nominado para los premios grammy's en 21 oportunidades ganando 4; también recibió un premio ACE, y 6 nominaciones para el Oscar. Las películas y series televisivas que contienen los trabajos más famosos de Schifrin son: Mission Impossible, Kung Fu, Earth Star Voyager, Planet of The Apes, Petrocelli, Medical Center, Cool Hand Luke, The Competition, Mannix, Dirty Harry, The Fox, Bullitt, FX 2, Rush Hour y Tango. Como músico de jazz ha compartido el escenario con grandes personalidades como Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz, y Count Basie.

Lalo Schifrin se ha presentado en las mayores salas de concierto del mundo como el Carnegie Hall, Lincoln Center, the Los Angeles Music Center, the Concertgebouw, Royal Festival Hall, Teatro Colon, Salle Pleyel, y the Champs Elysee, así como en todos los principales festivales de jazz en los Estados Unidos y Europa.

Schifrin hizo posible que los tres tenores; José Carreras, Placido Domingo, y Luciano Pavarotti, cantaran juntos por medio de sus arreglos y mezclas para que los tonos de cada uno coincidan. Esta serie sumamente acertada de grabaciones ha atraído a muchos nuevos admiradores en el mundo de la música clásica.

En 1993, Schifrin se destacó como compositor, pianista y conductor para su serie de grabaciones tituladas "Jazz Meets the Symphony", donde trabajó con la Orquesta Filarmónica de Londres y la Orquesta Sinfónica de Londres. así como con las estrellas de jazz Ray Brown, Grady Tate, Jon Faddis, Paquito D'Rivera, James Morrison, y Jeff Hamilton. La obra "Jazz Meets the Symphony Collection" es una Colección de Sinfónica, y le resultó en la nominación para 3 premios grammy..

Entre los honores recibidos por Schifrin se incluyen el "BMI Lifetime Achievement Award" (1988); un reconocimiento del gobierno Israelí "Contribuciones al Entendimiento del Mundo a Través de la Música", una estrella en la vereda de los famosos de Hollywood otorgada por la Cámara de Comercio de Hollywood, el Chevalier de l'Ordre des Arts et Lettres del Ministro de Cultura de Francia, el Premio al Artista Distinguido (1988) otorgado por el Los Angeles Music Center; el título de consultor del Presidente de Argentina en Cuestiones Culturales (1998); y el nombramiento de Director Musical del Festival del Instituto latino de Jazz de Los Angeles (1999).

En la actualidad, Lalo Schifrin continúa componiendo jazz y música clásica; realiza giras con grandes orquestas y trabaja en la composición de música para películas.

Tito Puente (II)

Hasta los diez años de edad, el pequeño Tito sólo ambicionaba ser bailarín profesional, pero tras lesionarse un tobillo mientras montaba en bicicleta, su vocación dio un giro radical; se decidió a estudiar composición musical y empezó a tocar con bandas locales. Considerado por su familia y amigos un niño prodigio, su primera actuación tuvo lugar a temprana edad con la banda de Los Happy Boys en el Hotel Park Place, y poco después, ya en la adolescencia, se unió a Noro Morales y la Orquesta Machito.
Tras el paréntesis que supuso la Segunda Guerra Mundial, que pasó en la marina, retomó su carrera musical. Se matriculó en la Escuela Juilliard para estudiar dirección de orquesta, orquestación y teoría musical, materias éstas en las que se graduó en 1947 con las mejores calificaciones a la edad de veinticuatro años. Por aquel entonces conoció a Charlie Spivak, a través del cual Puente comenzó a interesarse por la composición para big band.

Durante su estancia en la Escuela Juilliard Puente tocó con José Curbelo, con Pupi Campo y con Fernando Álvarez y su Grupo Copacabana. En 1948 formó su propia banda, los Picadilly Boys, pronto conocida como la Orquesta de Tito Puente, con la que grabó su primer éxito, Abaniquito, para la firma Tico Records al año siguiente. En 1949 firmó un contrato con la casa RCA Victor y grabó el sencillo Ran Kan Kan.

Los éxitos de Tito Puente empezaron a llegar con la década de los cincuenta, momento en que el mambo gozaba de la máxima popularidad; grabó algunos grandes temas que se convirtieron en favoritos de la radio, como Barbarabatiri, El Rey del Timbal, Mambo la Roca y Mambo Gallego. Con la firma RCA editó Cuban Carnival, Puente Goes Jazz, Dance Mania y Top Percussion, cuatro de sus álbumes más populares.

Hacia 1960 Puente se encumbró como el principal músico de mambo de la década y, con su fama ya consolidada, a finales de la misma desarrolló una singular fusión de mambo, big band y jazz. Resumió así en su persona el movimiento de fusión de la música latina y el jazz de la época.

Empezó también a colaborar de forma asidua con otros músicos, como el trombonista Buddy Morrow, Woody Herman y con los músicos cubanos Celia Cruz y La Lupe. En 1963 grabó para la Tico Records, arropado por Carlos Santana (con el que ya había grabado Para los rumberos en 1956), el tema Oye cómo va que introdujo la música de Puente en una nueva generación. En 1967 Tito dio a conocer sus composiciones en la Ópera Metropolitana del Lincoln Center.

Su música no se puede catalogar como salsa hasta la década de los setenta, ya que también contenía elementos de big band y de jazz en su composición. Una de las giras más importantes fue la realizada en 1979 a Japón, por las posibilidades de abrirse a la audiencia oriental. Tras su regreso de Japón, el músico actuó para el presidente de los Estados Unidos, Jimmy Carter, en la celebración Mensual de la Herencia Hispana. Ese mismo año recibió el primero de los cuatro premios Grammy con que fue reconocido a lo largo de su trayectoria por A Tribute to Benny More. Los otros llegaron en 1983 por On Broadway, en 1985 por Mambo Diablo y en 1989 por Goza Mi Timbal. Contó, además, con otras ocho nominaciones al premio, más que ningún otro músico latino anterior a 1994.

Tito Puente.

Ernest Anthon Puente ( * Nueva York, 20 de abril de 1923- Nueva York, 31 de mayo del 2000), conocido como Tito Puente, fue un músico de salsa y jazz latino, de gran influencia en estos géneros.

De padres puertorriqueños, Puente nació en el vecindario conocido como El Barrio de Nueva York. A menudo es llamado el primer músico "puro" de salsa. Se le conoce por las composiciones únicas que ayudaron de sostener su carrera por más de 50 años. Gracias a su técnica en el manejo de la percusión fue conocido como El Rey de los Timbales.

Durante los años 1950, la popularidad de Puente llegó a su mayor nivel y logró que la música caribeña, como el mambo, el son y el cha cha cha llegara a una mayor audiencia. Luego incursionó en otros estilos como pop y bossa nova.

En 1992, Puente ganó el Premio Bicentenario de James Smithson y participó en la película Los reyes del mambo cantan canciones de amor junto a Celia Cruz.

Ganó un premio Grammy por su grabación Mambo Birdland en la categoría de mejor disco de música caribeña tradicional en los primeros premios Latin Grammy.

Aunque como músico es mayormente reconocido, también se hizo más popular por la aparición de su personaje en un capítulo de Los Simpsons

Machito. El padre del Jazz Latino

Frank Raúl Grillo, nombre verdadero de Machito, nace en La Habana, (Cuba) el 3 de diciembre de 1906. Creció escuchando jazz y música popular cubana, y comenzó a cantar cuando todavía era un adolescente. Entre 1928 y 1937, Machito actuó con muchas de las orquestas de baile más populares de Cuba, entre ellas el Sexteto Occidente de María Teresa Viera y el Sexteto Nacional de Ignacio Piñeiro. Fue en este período cuando conoció al compositor, arreglista y multi-instrumentista Mario Bauzá. Desde entonces, y durante las décadas siguientes, Machito y Bauzá trabajarían juntos, conformando un binomio que revolucionaría la música latina.

Machito, llega a Nueva York en octubre de 1937, hallando un puesto como cantante en un grupo llamado La Estrella Habanera. Durante los dos años siguientes, Machito, grabó con el "Cuarteto Caney" y la Orquesta Hatuey. En 1939 Mario y Machito intentaron formar una orquesta, pero fracasaron. Durante una sesión realizada en 1941 en la que participó un joven baterista de nombre Tito Puente, Mario y Machito realizarían sus primeras grabaciones "Sopa de Pichón" y "Tingo Talango", todo un éxito en el mercado latino. Machito y Bauzá querían combinar la música cubana con la que habían crecido, con los sonidos del jazz que por aquél entonces se hacía en Nueva York, y a Mario se le ocurrió que un nombre apropiado para esa combinación podría ser "Afrocubano".

Finalmente, el sueño se haría realidad en 1943, cuando grabaron "Tanga", tema considerado como la primera grabación de jazz afrocubano. De allí en adelante, la agrupación de Bauzá y su amigo Frank sería conocida como 'Machito y sus afrocubans'. El Jazz Afrocubano tendría su gran presentación en sociedad el 24 de enero de 1947, cuando Fred Robbins, incluyó a los Afrocubans de 'Machito' en la presentación que haría esa noche Stan Kenton, en el Town Hall de la ciudad. Dos semanas después de esa noche apoteósica, la banda de Stan Kenton, grabaría un tema titulado 'Machito', en su honor. Durante los primeros años 60's, la las flautas y violines dominaban la fiebre de la charanga y la pachanga, pero Machito continuaba grabando discos con su característico sonido de cañas y bronces. Entre 1965 y 1969 predominó la moda del boogaloo y de allí en adelante hubo un dominio de pequeños grupos musicales que utilizaban el formato del conjunto típico, lo cual llevaría al gran boom de la salsa. El 5 de enero de 1975, la banda de Machito, en compañía de Dizzy Gillespie, interpretó en vivo en la Catedral de San Patricio de Nueva York, la suite 'Oro, Incienso y Mirra' original de Chico O'Farril; poco después grabaría junto al mismo Gillespie 'Afro Cuban Jazz Moods', álbum nominado al Grammy ese mismo año.

Mientras Machito, se hallaba en Londres con ocasión de una actuación en el Ronnie Scott's Club, sufrió un ataque al corazón, falleciendo cinco días después víctima de una hemorragia cerebral. Con posterioridad a su muerte, fue estrenado el documental: 'Machito, A Latín Jazz Legacy', dirigido por Carlos Ortiz y con la participación de Dizzy Gillespie, Ray Barretto, Tito Puente y Charlie Parker. Se estrenó en Noviembre de 1987 y transmitido en las Islas Británicas en el famoso Canal 4 en enero de 1989. Machito será siempre recordado como el Padrino del Jazz Afrocubano.

Gato Barbieri (II)

Leandro «Gato» Barbieri, creció en un ambiente musical jazzistico fuertemente influenciado por Mario Barbieri, un tío suyo saxofonista y clarinetista. Su hermano mayor, Rubén Barbieri, trompetista, también estudió música en la Escuela Infancia Desvalida, de Rosario y juntos formaron la Agrupación Nuevo Jazz. «Gato» Barbieri nació en dicha ciudad argentina el 28 de noviembre de 1932, y estudió varios instrumentos como el requinto (clarinete pequeño), el saxo alto y el saxo tenor, que finalmente sería el que le haría ser conocido en todo el mundo.

En 1953, siendo muy joven todavía, comienza a labrar su leyenda gracias a tocar en la orquesta del también argentino Lalo Schiffrin quien fue contratado por el trompetista Dizzie Gillespie, tras escuchar un concierto que dio en Buenos Aires, en 1955. Barbieri agrandaría su figura de clase como músico tocando con dicha orquesta y con su participación en las bandas sonoras de películas y series de televisión como Misión Imposible (1966), Bullitt (1968) o Harry el Sucio (1971), compuestas por Schiffrin.

Amante de las jam-sessions, como muchos músicos de su época, tocó en numerosas reuniones de este tipo. Su estilo fue evolucionando desde Lee Konitz a Charlie Parker, para terminar recalando en John Coltrane que resultó definitivo para su posterior forma de tocar ya que propició que abandonara el clarinete y el saxo alto.

En 1962, Barbieri y su mujer, Michelle, se van a Roma. Allí, toca con el guitarrista Jim Hall, y el trompetista Ted Curson. Tres años después, llega a París —la Meca de los jazzmen durante muchos años—, donde conoce a Don Cherry, se une a la banda del trompetista y juntos graban en Nueva York dos discos para el sello Blue Note: Complete Communion (1965) y Simphony For Improvisers (1966), dos clásicos del jazz de vanguardia. En 1967, instalado ya en el éxito, graba sus dos primeros discos personales: In Search Of The Mistery y Obsession. Después, son numerosísimas las colaboraciones con otros músicos del free-jazz como Stanley Clarke, Chico O'Farrill o Ron Carter. Su fama va en crecimiento a la par que su música va dirigiéndose a las raíces sudamericanas —El pampero (1972)— rodeándose de músicos de aquellas latitudes, cuando le llega el encargo de componer la banda sonora de una película dirigida por Bernardo Bertolucci y protagonizada por Marlon Brando: El último tango en París (1973). Bertolucci ya conocía a Barbieri gracias a Michelle, la mujer del músico, que era de origen italiano y había colaborado con Passolini y el director de Novecento.

El éxito de El último tango en París, agrandado por el escándalo mundial que suscitó, lanzó definitivamente a la fama a Barbieri (quien ganó el Grammy por la banda sonora de la misma), llegando a ser imprescindible para cualquier festival de jazz y permitiéndole una fructífera época creativa con la colección para el sello discográfico Impulse: Chapter One: Latino América (1973), Chapter Two: Hasta siempre (1974), Chapter Three: Viva Emiliano Zapata (1974) y Chapter Four: En vivo en Nueva York (1975), donde incorpora melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos.

A partir de los ’80 dirigió su música a sectores más amplios del público, grabando espléndidas versiones de conocidos temas como, por ejemplo, el conocido bolero Cuando vuelva a tu lado o Europa, del guitarrista Carlos Santana.

Destaquemos, por último, la aparición del saxofonista en la película Calle 54 (2000), de Fernando Trueba, en donde se puede ver una imagen cabal del autor de La China Leoncia..., que nos resistimos a tildar de crepuscular pues a Barbieri le quedan todavía cosas por decir. En el libreto del CD de la misma se dice: «Aunque lleva años inmerso en el pop, basta con sacudirle un poco la memoria a Gato Barbieri para que se manifieste como la conciencia errante de los años setenta, el último de los militantes del Tercer Mundo...»; Barbieri tocó para este documental la introducción a Llamerito (y tango) y Bolivia, la oda que el músico dedicó al Comandante «Che» Guevara.

Leandro «Gato» Barbieri vive en la actualidad en Nueva York y continúa tocando en esas jam-sessions que siempre le gustaron. Tiene publicados más de 50 discos.

Gato Barbieri

Gato Barbieri, descubre el saxo tenor gracias a un tío saxofonista y el jazz escuchando a Charlie Parker en 1944. Comienza tocando el requinto (clarinete pequeño). Durante cinco años toma clases particulares de clarinete en Buenos Aires, aunque también se interesa por el saxo alto y la composición.

En 1955 toca en la orquesta de Lalo Schiffrin, y adopta el saxo tenor. En 1962, tras un breve periodo de tiempo en Brasil, se instala en Roma y trabaja como con el guitarrista Jim Hall, y el trompetista Ted Curson. En 1965 conoce a Don Cherry en París y graba con él dos discos para Blue Note: "Complete Communion" (1965) y "Simphony For Improvisers"(1966). Graba por primera vez bajo su nombre en 1967 dos discos ("In Search Of The Mistery" y "Obsession"). Colabora luego con Carla Bley y con Charlie Haden en la "Liberation Orchestra".

Sus dúos con Dollard Brand (1968) le dan a su música un giro decisivo hacia sus raíces sudamericanas, y mas ampliamente, hacia las músicas del tercer mundo. Dirige numerosos grupos, en los que intervienen entre otros: Joe Beck, John Abercombie, Stanley Clarke, Ron Carter, Lennie White, Roy Haynes, o Airto Moreira. A pesar de su triunfo en el Festival de Montreux ("El Pampero") y de su celebrada participación en la banda sonora de la película "El ultimo tango en París" de Bernardo Bertolucci, Gato Barbieri, acentúa desde 1973, las referencias a sus raíces y se rodea de músicos sudamericanos, en especial en la serie "Chapter One" a "Chapter Four" para el sello Impulse. Luego su trabajo asume moldes mas comerciales y se aleja del jazz en beneficio de un público más amplio.

Receptor de la influencia coltraniana y, a la vez, marcado por su fructífera colaboración con el trompetista Don Cherry, Gato Barbieri se sitúa en el meollo de la problemática creada por la evolución del Freejazz durante los años sesenta. Hoy, Gato Barbieri, es un músico con enorme influencia y seguidores en el mundo del jazz y una de las figuras mas representativas del jazz que se hace en el cono sur de América.

Paquito D'Rivera (II)

El principal anhelo del músico cubano Paquito D'Rivera es volver a tocar en Cuba después de un exilio de 24 años en Estados Unidos, para dejar de ser en su propia tierra "un ciudadano de segunda".

Paquito d' Rivera (I).

Nacido en La Habana el 4 de junio de 1948, Paquito D'Rivera fue un niño prodigio al empezar sus estudios musicales a ,los cinco años bajo la tutela de su padre, Tito, un conocido saxofonista y director cubano. A los seis años ya actuaba en público, y a los siete años, se convirtió en el miembro más joven del grupo que supiese tocar un instrumento, cuando se unió a la famosa compañía, Selmer.

En 1958, cuando apenas contaba con diez años, D'Rivera actuó en el Teatro Nacional de La Habana, dejando estupefacto al público y los críticos. Ingresó en el Conservatorio de La Habana a los doce años para estudiar clarinete, composición, consonancia, y "todo lo demás". En 1965, D'Rivera con tan sólo 19 años, convertido en todo un virtuoso del clarinete y el saxo, actuaba por primera vez, como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, en un concierto televisado a nivel nacional. Ese mismo año, D'Rivera y el pianista Chucho Valdés, fundaron la famosa Orquesta Cubana de Música Moderna, de la cual fue director durante algo más de dos años. Ocho de los músicos más jóvenes y aventureros de la Orquesta, se unieron a otros tres músicos para formar Irakere, cuya explosiva mezcla de jazz, rock, música clásica y música tradicionalmente cubana no se había escuchado jamás.

La irrupción en los últimos tiempos de la música y los músicos cubanos en el panorama internacional y su masiva implantación posterior en recitales, conciertos y grabaciones varias, así como la proyección cinematográfica que muchos de ellos han tenido en películas como Buenavista Social Club, Calle 54 o en Los Reyes del Mambo, ha sido decisiva para que la música traspasara la Isla de Cuba y sus músicos dados a conocer en todo el mundo. Nadie duda que entre esos grandes músicos está Paquito D’Rivera, uno de los grandes estandartes de dicho movimiento y de los responsables de su implantación.

Tras fundar en 1965 con Chucho Valdés la Orquesta Cubana de Música Moderna y posteriormente el citado grupo Irakere, con el que causaron sensación en los festivales de Newport y Montreux (1978), se traslada a los EE.UU. bajo la protección de, entre otros importantes músicos, del maestro del jazz, Dizzie Gillespie. Allí comienza su colaboración con los mejores músicos como Arturo Sandoval, Roditi, Michel Camilo y rescata del ostracismo a Bebo Valdés, un pianista, padre de Chucho Valdés que lograría en los primeros años del siglo XXI, un gran éxito con su disco "Lágrimas Negras" junto al cantaor flamenco Diego "El Cigala". Posteriormente graba con la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Lalo Schifrin, y en 1995 por primera vez con el Caribean Jazz Project; poco después gana el Grammy por su disco "Portraits of Cuba". Ha colaborado con Eddie Gómez, Mc Coy Tyner, Herbie Mann, Tito Puente, Astor Piazzolla, etc. y ha publicado sus memorias con el burlón (no podía ser de otro modo) título de "Mi vida saxual"